En la década de 1930 , estas tiras y coleccionadas Domingo comenzó a ser en las revistas, dando lugar a los primeros “libros de historietas”. Estas revistas primeros tenido un gran éxito, y pronto el material disponible no era suficiente. Luego vinieron los estudios especializados en la producción de historias producidas específicamente para nuestra revista. La libertad de usar nuestro (libre de las limitaciones de la “tira”) permitió a los diseñadores un salto creativo.
Los primeros libros de historietas eran grandes revistas en formato tabloide (mismo formato que los suplementos de tiras dominicales de los periódicos, la idea de doblar el diario sensacionalista publicar más páginas de dibujos, entonces no es el formato medio tabloide (un tabloide de 16 páginas de propiedad y a través de un tabloide de 64 páginas de propiedad).
Por otra parte, desde los años 30, las revistas en las plazas se multiplicaron: que eran muy baratos y se venden muy bien en el clima de la devastación económica generada por la caída de la bolsa de Nueva York en 1929.
En 1938 , con la publicación y el enorme éxito de la primera historia de Superman , fue el género de superhéroes , que se convertiría en el paradigma de los cómics americanos. En torno a estos héroes enmascarados de la década de 1940, desarrollado en una industria de entretenimiento de verdad.
En la década de 1950, la popularidad y la gran variedad de revistas cómicas EE.UU. era enorme (en su mayoría traducidos en todo el mundo). Ellos tuvieron mucho éxito, además de los superhéroes, las revistas de la guerra y el terror. Considerado influencia excesivamente violento y nefasto para la “juventud”, el cómic ha sido objeto de fuerte presión del gobierno. Estas presiones obligan finalmente en los EE.UU., la creación del Comics Code Authority , un código de “ética” que prácticamente podría acabar con la creatividad de los cómics americanos en las próximas dos décadas. En la práctica, debido a que en la década de 1960 los autores de metro, Robert Crumb comenzó a vender en las esquinas de sus libros de derecho de autor sin límites. Crumb y numerosos empleados de la legendaria Zap Comix influyó a una generación nueva, mostrando que la historieta era un medio de expresión de un gran potencial.
Hoy en día, la historieta se publica en forma impresa y medio electrónico y añadir en torno a un universo de creaciones que se adaptan a los juegos, a las artes y productos tales como juguetes, colecciones de ropa, etc.
Entre los elementos del lenguaje, además de la mencionada globo se pueden destacar: la utilización de signos gráficos acordado (por ejemplo, la onomatopeya para la traducción de los sonidos, las estrellas pequeñas en la cabeza de un carácter que indica el dolor o mareos, la forma misma de que el globo puede indicar el volumen o el tono del discurso, e incluso le informamos que este es un pensamiento), utilizar el “canal” para separar una parte de otro y establecer un sentido de la evolución en el tiempo entre las escenas representadas, el uso de tarjetas para establecer un “La voz del narrador” en la historia, y el uso versátil de los esquemas de las tablas, de acuerdo a la necesidad de cada escena dramática, entre otros.
Con la popularización de la imprenta, desde el principio del siglo XIX a la vigésima el cómic se hizo inmensamente popular en todo el mundo. Su lenguaje es más refinado y, a pesar de que se trata, a menudo con prejuicios, como una forma de expresión disminuir su respeto en la academia está creciendo cada día
El cómic se lee por grupos de edad diferentes, de los niños en materia de alfabetización para los ancianos y los colectores. El cómic como una forma de arte puede representar diferentes estilos y formatos de publicación, aunque es discutible, hoy y en el mundo académico, los dibujos animados (por ejemplo) no será antes de un arte autónomo.
La caricatura o dibujos animados, o de carga , en portugués brasileño , originalmente entendido como el esbozo de un artista, es considerado por muchos expertos, incluyendo RC Harvey, como una forma de arte animado secuencial. Aunque compone de una sola imagen, se argumentó que, dado que la caricatura tanto combina palabras e imágenes y construye una narrativa, que se merece su inclusión entre los formatos de las tiras cómicas.
La tira es una secuencia de imágenes. El término se utiliza con mayor frecuencia en la actualidad para definir las tiras cortas publicadas en diarios periódicos , pero, históricamente, el término fue asignado para establecer cualquier tipo de toma, sin bastidor del cielo raso, con un mínimo de dos. Las tiras de domingo en los Estados Unidos fueron ocupadas a principios del color y un periódico a página completa.
El libro revista o cómic “cómic” como se le llama en Brasil, o “cómic”, como se conoce en su mayor parte de los Estados Unidos , es el formato utilizado para la publicación de historias de este tipo desde que la serie romántica de los populares superhéroes .
Novela gráfica (novela gráfica) es un término para un libro de formato de revista de historietas que generalmente la producción de las parcelas largas y complejas, a menudo dirigidos a adultos. Sin embargo, el término no se define estrictamente, a menudo se utiliza para implicar diferencias subjetivas en la calidad artística entre un trabajo y otro. En Portugal también se utiliza la traducción de novela gráfica.
Webcomic
Webcomics, también conocidos como “los cómics en línea”, “Web comics” o “cómics digitales” son historietas publicadas en la Internet . Webcomics Muchos se publican y se venden exclusivamente en la red, mientras que otros se publican en papel, pero manteniendo algunas de las razones virtuales comerciales o artísticas. Con la popularización de Internet, el formato webcomic ha pasado de ser una delicia tradicional de las bandas a las novelas gráficas.
Storyboards son ilustraciones dispuestas en secuencia con el fin de proporcionar una escena animada o real de una película . Un storyboard es esencialmente una versión cómic de una película o una sección específica de una película producida de antemano para ayudar a los directores y cinematógrafos visualizar las escenas y encontrar problemas potenciales antes de que sucedan. Los guiones suelen llevar las flechas e instrucciones que indican movimiento.
Un fanzine es una revista de aficionados , hecho a mano de las fotocopiadoras o mimeógrafos . Es una alternativa barata a los que quieren producir sus propias revistas para un público específico, y cuenta con las estrategias informales de distribución. Muchos dibujantes han comenzado de esta manera antes de pasar a otros tipos más tradicionales de la publicación, mientras que otros artistas continúan produciendo fanzines estabilizadas en paralelo a sus carreras.
El término también se utiliza para definir las publicaciones de aficionados hechas por los fans de otros medios de entretenimiento, con noticias y ensayos sobre la música, el deporte y la televisión en general.
Puede ser publicado en el libro de entrada, una revista en línea o en el periódico. El JQ especial es que representa la realidad y cumple con los estándares de periodismo en la veracidad de sus datos e historias a través de entrevistas y de evaluación . Joe Sacco es uno de los nombres más reconocidos en el área, pero las publicaciones están creciendo. Debido al poder del periodismo visual en forma de enfoques plazas y cautiva al lector más. Además, por supuesto, para atraer a un público más amplio, después de todo el fin de historias gráficas es para facilitar la comprensión.
El cómic ( Inglés palabras cómics), también conocido como noveno arte es una forma de visual de arte que consiste en imágenes por lo general combinado con el texto, que a menudo se encuentran en las burbujas de texto o subtítulos. El gran creador y teórico de cómics de Scott Mc Laount en su libro Cómics Entendimiento da una definición amplia del arte como “formas e imágenes mintiendo deliberadamente con el fin de transmitir información y / o provocar una respuesta estética del usuario.” Esta definición es correcta deja de lado los dibujos animados que son imágenes individuales, como en el cómic existe una clara secuencia narrativa entre las imágenes. La existencia del texto no es necesario.
Aunque en un principio utilizado para caricaturas ilustradas y para entretener con historias simples y comunes, han evolucionado hasta convertirse en una forma de arte, con muchas subespecies. Los tipos más comunes de los cómics son cómic en periódicos y revistas (no sólo), donde una pequeña historia se desarrolla en tres o cuatro cuadros , y las más grandes historias en revistas especializadas, novela corta ilustrada y álbumes, conocido simplemente como libros de historietas o comics . La tira cómica en periódicos y revistas son generalmente de menor importancia, destinado a hacer un breve comentario social o político y dirigir – las posibilidades narrativas son ciertamente limitado, ya que se trata de una simple tira (strip) con un par de cuadros en una fila. En cambio, las revistas de historietas son el material principal, que abarca toda la página y hay historias se presentan ninguna de esas cuestiones en serie de un paquete o por separado.
Los Carl Barks , el padre de Tío Gilito y firmar autógrafos en 1994.
Dependiendo de cómo se define el cómic, sus raíces pueden encontrarse en el siglo 15 o incluso el egipcio jeroglífico . Sin embargo, la forma actual (con los marcos y texto en burbujas o subtítulos) se produjo en el siglo 19. Pioneros Así que tipo son para repartir Europa la revista de vacaciones Ally Sloper mitad fue lanzado en Inglaterra en 1884 por no EE.UU. en el callejón de Hogan de Richard Aoutkolt (Richard Outcault), cuyo personaje principal era el Yellow Kid y comenzó a ser publicado como suplemento despojar a los periódicos en 1895 .
Los tebeos eran un gran desarrollo en las primeras décadas del siglo XX en los Estados Unidos, especialmente las historias de superhéroes, como las empresas de DC Comics y Marvel Comics . En Europa había un pequeño escenario, que comenzó con los campeones belgas y publicaciones tales como Tintín y la revista Spirou . Después de la Segunda Guerra Mundial con la llegada de los cómics americanos en Europa y en la mediación de los años 60, que abarcaban la contracultura como los cómics, poco a poco se estableció como una forma seria de arte.
Strip es una serie de escenas narrativas conectadas. Franja viene del nombre de la Franja de América Cómic, que significa literalmente tiras cómicas. Su existencia está relacionada con la aparición de los medios de comunicación. Aunque en un principio existía como un entretenimiento para los lectores de periódicos pronto se convirtieron en medios de comunicación independientes, o como le gusta decir “noveno arte “.
Mientras que la narrativa como tal hasta el final de la 19a siglo se relacionó con la expresión escrita o (por ejemplo, el teatro, cuento, novela, novela), o con actuaciones en directo (teatro), la aparición de periódicos e imágenes en movimiento se obtienen dos medio totalmente nuevo: el cómic de película . Como suele ser el cómic parece divertido para los niños, mientras que los adultos ver películas y tiras cómicas de la película es realmente acerca de las mismas cosas, la narrativa: la historia debe contarse para el lector (espectador) a través de la imagen, estática o en movimiento. La forma de cómic requiere la expresión concisa, ya que en un par de cuadros con un poco de texto para contar la historia completa, pero sólo hace hincapié en el dominio de los escritores de cómics y artistas, debido a que no disponemos de una forma adicional de expresión que tiene una película – el sonido . Así que en realidad la lectura de (buena) los cómics pueden disfrutar no sólo de la bella expresión visual / gráfica que en las oraciones, perfectamente seleccionados y las escenas que en realidad se transforma “normal” en las obras maestras de historietas.
El mundo de hoy de la historieta cuenta con tres centros: Francia / Bélgica , Japón y el Estados Unidos . Estos tres centros cuentan con una tradición muy diferente de los cómics.
Francia / Bélgica siempre ha alimentado el lado artístico de los cómics, y después de la década de 1960, y el aumento de los cómics para adultos, la banda dessinée (como llaman a la tira) se ha convertido en un verdadero arte. El formato del cómic francés, por lo general en el álbum con cuarenta páginas de gran tamaño, y tiene una tapa dura y papel de calidad. Los autores de cómics tienen un estatus mucho más alto que en los EE.UU. y Japón, de hecho, considera que los artistas. El escritor belga más famoso de Hergé ( Tintín ).
De los más jóvenes y más grande de Japón a los tres centros. Cómic japonés, manga , representan el 40% de material impreso en Japón. Cada mes, un total de unos 350 libros de cómics y revistas de historietas 500. Se emiten en los volúmenes de cerca de 200 páginas (tankoubon), y no es raro que la serie llega a 10.000 páginas. Es por eso que en la mayoría de los cómics japoneses para ver la acción, mientras que el dibujo de secundaria. Un fenómeno especial es un doujinshi, mercado de cómics de aficionados enorme. El autor más famoso es Osamu Tezuka (Astro Boy, Negro Jack).
Los Estados Unidos ha creado un consumo de masas a través de la idea de cómics superhéroes , que sigue siendo la base de la industria americana del cómic. Hay grandes diferencias entre los cómics, que se venden en ediciones finas de veinte páginas, y se considera que las novelas de diversión, gráficos, que tienen el formato del disco, por lo general con una funda delgada, y aspirar a la categoría de arte. El más famoso autor de Frank Miller ( Batman : The Dark Knight Returns).
Un cómic o historieta (popularmente también conocido como Patufet debido a la antigua popularidad de la revista En Patufet y también como tebeo para la difusión de 1917 al 1998 de la revista TBO ), es una narración realizada mediante una secuencia de imágenes o ilustraciones yuxtapuestas de forma deliberada, que tienen como objetivo transmitir una historia o cualquier información al lector, al tiempo que se lleva una impresión estética. Para hacerlo, los autores de cómics utilizan toda una serie de recursos gráficos . Will Eisner , teórico del cómic, también lo definía como arte secuencial. Algunos dibujantes de cómic lo consideran el “noveno arte “.
El origen de la palabra se remonta a las ilustraciones satíricas e irónicas, predecesoras del cómic moderno, aunque actualmente la diversidad de géneros es la misma que en cualquier otro lenguaje, así como también para todos los públicos. Muchos estudiosos consideran que un cómic sólo lo es en tanto que es reproducido y difundido por medios mecánicos, de tal forma que sitúan el inicio del cómic el 1829 , cuando el suizo Rodolphe Töpffer publicó su primer álbum. Otros identifican a las tiras de periódico Yellow Kid como el primer cómic. Otros estudiosos especializados en el diseño y la comunicación supralingüística no exigen que un cómic sea difundido de forma masiva para considerarla como tal, y sitúan las primeras muestras en manifestaciones mucho más antiguas como los relieves romanos o las pinturas del arte del Antiguo Egipto .
Existe una fuerte controversia sobre cuál fue el primer cómic, en función de si se utiliza una definición más o menos restrictiva.
Algunos sostienen que el origen del cómic se remonta a la antigüedad. Se podría decir que las pinturas rupestres, pintadas en las grutas como la de Lascaux en Francia, Cuevas de Altamira a Cantabria o de otros a Italia , Argelia o en la China pueden ser consideradas como historietas, pues algunos interpretan que relatan historias mediante las imágenes. Los frescos y relieves egipcios, griegos, romanos y aztecas también se ajustan a esta definición. De esta manera, los jeroglíficos egipcios y la columna trajana se encontrarían entre los antecesores del cómic.
En el Edad Media europea, la historieta en soportes como las vidrieras y los tapices o colgaduras sería mejorada en los manuscritos iluminados que pueden considerarse como los primeros libros de cómics. Las Cantigas de Santa María , realizadas probablemente entre 1260 y 1270 por el taller de Alfonso X el Sabio, son consideradas como el manuscrito medieval más próximo a un cómic actual. Junto con la Biblia Maciejowski (norte de Francia, c. 1250 ) las Cantigas de Santa María, escritas en gallego , son el primer cómic con el texto al pie que posee viñetas y bocadillos de diálogo. Poco después, a finales del siglo XIII y principios del siglo XIV, el mallorquín Ramon Llull usó imágenes con bocadillos para ilustrar algunos de sus libros.
Sin embargo, otros estudios consideran el cómic como un producto cultural de la modernidad industrial y política occidental que surgió en paralelo a la evolución de la prensa, primero medio de comunicación de masas . De este modo, una historieta sólo lo sería en tanto que fuera reproducida por medios mecánicos y difundida masivamente, relacionando su origen con el de la caricatura y la imprenta . En este sentido un directo precedente del cómic es el auca .
Aunque Gutenberg había introducido la imprenta en Occidente ya el 1446 , la reproducción masiva del dibujo no fue posible hasta el 1,789 , año en que se inventó la litografía . A diferencia de otras técnicas como el grabado, la litografía permitía técnicamente la impresión directa sobre la página sin ningún proceso humano intermedio, gracias a planchas resistentes a múltiples prensadas.
Con el antecedente de los ciclos morales del caricaturista inglés William Hogharth que desarrollaba la carrera de un personaje en una decena de grabados; el franco-suizo Rodolphe Töpffer es considerado el fundador del cómic moderno a partir de su Histoire de M. Jabot publicada el 1833 , a la que siguieron otros seis álbumes. Su ensayo Ensayo sobre fisonomía de 1.845 es considerado como el primer texto sobre teoría del cómic.
A pesar de esta tradición de cómics en forma de libro, el modelo de desarrollo del cómic en Europa serían las revistas clásicas semanales o mensuales. Así, el noviembre del 1830 , en Francia la revista Le Caricature inauguraría la tradición contemporánea de la caricatura política lanzando una campaña contra Luis Felipe de Orleans “El Rey Burgués» por medio de imágenes satíricas de nombres de la talla de Daumier o Gustave Doré . El testimonio de Le Caricature sería recogido por Le Charivari que expurgo la crítica política en favor del molde de simple revista de humor.
Inspirada en Le Charivari, la revista británica Punch Magazine ( 1841 ) fue el motor de la expansión mundial del cómic. De periodicidad mensual, Punch se dirigiría a un nuevo sector apoyado también por la revolución social e industrial: la infancia. A la novedad del proyecto de Punch se uniría una reconocida calidad de la mano de ilustradores como John Tenniel , conocido por su trabajo en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll .
El modelo de Punch fue imitado en todo el mundo. En Alemania daría lugar a Fliegende Blatter ( 1848 ) en el que debutaría el excepcional Wilhelm Busch autor de uno de los cómicos más avanzados de su tiempo, Max und Moritz ( 1865 ). En Japón surgió Japan Punch ( 1862 ). Y lo que tuvo más trascendencia, los EEUU inspiraría las revistas Puck ( 1871 ), Life y Judge , verdadero campo de pruebas del cómic de prensa en los que empezaron, entre otros, Richard Felton Outcault y George Herriman .
En España la replica vendría de la mano de revistas como La Flaca de carácter satírico , centrada en las caricaturas y historietas de tipo político y publicada en Barcelona entre el 27 de marzo de 1869 y el 3 de marzo de 1876 .
Un grupo de expertos reunidos para la ocasión a Salón de Lucca ( Italia ) determinaron como fecha de nacimiento del cómic el 16 de febrero de 1896 , día de publicación de la tira de prensa The Yellow Kid and his new Phonograph de Richard Felton Outcault en el New York Journal . Esta tira fue la primera en combinar la organización de su discurso en secuencia de imágenes y la integración de la palabra mediante globos. En coincidencia, ese mismo año, la revista inglesa Comic Cuts estableció el nombre por el que es conocida esta forma artística.
El uso de los globos para el texto no se introduciría en el cómic europeo hasta el 1908 con Las pieds nickel de Forton y no se generalizaría hasta después de la Primera Guerra Mundial con Zig et Puce ( 1925 ) de Alain Saint Ogan . Hasta entonces, los cómics europeos colocaban los textos al pie de la viñeta.
En Cataluña , paralelamente al arte del cómic se estableció también las aucas como arte secuencial que ha conservado los textos a pie de viñeta sin integrarlos con globos en los recuadros, entre otras particularidades que las caracterizan.
Los inicios del cómic catalán están marcados por la aparición de dos tipos de publicación muy diferentes. Por un lado encontramos las revistas infantiles, como En Patufet (en catalán ) o Pulgarcito y TBO (en castellano ) que eran publicaciones dirigidas a un público infantil . Este último se convirtió en tan popular en España que dio pie al término genérico “tebeo” para referirse a las historietas ilustradas. Por otro lado encontramos las revistas satíricas como L’Esquella de la Torratxa , El ¡Cu-Cut! , El Be Negre o la valenciana La Traca , publicaciones que no eran consideradas de cómics sino de humor gráfico, donde se criticaba la actualidad política y estaban dirigidas claramente a adultos . Ambos tipos de publicación, sin embargo, coinciden en el planteamiento de la estructura del semanario, donde se podía encontrar tanto páginas con sólo texto, como otros de humor gráfico.
En el Estado Español la dictadura franquista supuso una censura tanto a aquellas voces discordantes con el régimen como hacia las expresiones en lengua y cultura catalanas que hicieron que la mayoría de las publicaciones antes mencionadas desaparecieron. Sin embargo, sin embargo, esto también hizo que las publicaciones infantiles en lengua castellana, muchas de las cuales contaron con colaboradores de las anteriores publicaciones, como Josep Escobar o Opisso se consolidaron como una producto de ocio muy barato y popular, popularidad reforzada tanto como por la desaparición casi total del texto sin dibujo, haciendo que finalmente se puedan considerar las revistas como cómics propiamente dichos. Durante la década de los 40 y 50 se van consolidando una serie de publicaciones como Pulgarcito , de Editorial Bruguera , el TBO , y Jaimito y Pumby de Editorial Valenciana con unos personajes que aún hoy en día son recordados, especialmente en el caso del ‘ escuela Bruguera .
Por otra parte, en España se consolida un segundo género, el de los cuadernos de aventuras, con personajes como El Guerrero del Antifaz y Roberto Alcázar y Pedrín de Editorial Valenciana o el Jabato y El Capitán Trueno de Editorial Bruguera .
En cuanto al resto del mundo, durante la adquieren un gran desarrollo las escuelas argentina, belga y japonesa, gracias a genios del calibre de Héctor Germán Oesterheld , André Franquin o Osamu Tezuka , respectivamente.
Mientras, en Europa el cómic también tenía buena aceptación apareciendo series tan famosas como Tintín , creada por Hergé antes de la Guerra; Lucky Luke de Morris ; Los pitufos del mítico Peyo todos ellos autores de Bélgica , donde André Franquin comienza a publicar historietas de Espirú . Mientras, en Francia se publicaba la revista Puntal , con autores como Goscinny y Uderzo , los creadores de Astérix y Obélix en las páginas de Pilote , donde también aparecerían Iznogoud de Tabary y Goscinny o Achille Talon de Greg . Es la consolidación del cómic francobelga en general y de la escuela de Marcinelle en particular.
En Argentina desde los años 40 ‘comenzó un desarrollo individual basado en la enorme publicación de cómics antes de la televisión. De esta época son Patoruzú (antecedente gráfico de Astérix ), las tiras de la revista Tía Vicenta , y ya en los años cincuenta comienza el cómic de aventura, escrito por el guionista Héctor Germán Oesterheld que reunió a Hugo Pratt , Alberto Breccia , Francisco Solano López , y creó el 1957 la renombrada obra de El Eternauta . Este cómic de Buenos Aires es el primer antecedente para el «cómic de autor», después desarrollado en Europa.
En Italia se produce durante los años 50 el inicio de lo que será un curioso fenómeno: los cómics de la Walt Disney Company . Publicadas en el semanario Topolino de la editorial Mondadori , las historietas procedentes de Walt Disney ‘s Comics and Stories producidas por autores americanos como Floyd Gottfredson o Carl Barks pronto resultaron insuficientes para llenar todas las páginas de la publicación. Es por ello que, bajo licencia, los responsables de la editorial contrataron jóvenes guionistas e ilustradores italianos como Guido Martina o Romano Scarpa para que produjeron historietas. Estas historietas fuesen un éxito de ventas y la escuela italiana de cómics Disney es hoy en día la más valorada del mundo, sobre todo desde que desde los años 70 la producción de historietas en Estados Unidos fuera anecdótica. Posteriormente el cómic italiano daría otros nombres que serían referente del cómic como Hugo Pratt quien lo 1967 crea el Corto Maltés o Milo Manara , ambos lejos del estilo humorístico de Topolino , ya que se dedicaron a desarrollar cómic con dibujo realista.
A partir de 1962, se reafirma una nueva conciencia del cómic, sobre todo en Francia y Italia , de tal forma que los intelectuales ya no lo abordaban desde una perspectiva propia de la Psicología social, sino desde la estética y se crearon instituciones para su estudio como el CELEG (Centro de Etude diciembre Littératures d’Expression Graphique), y el SOCERLID (Société d’Etudes et de Recherches diciembre Littératures Dessinnées). Se celebran también congresos italianos como los de Bordighera (1965) y Lucca (1966), así como una monumental exposición de cómics estadounidenses y francesas en el museo de artes decorativas del Palacio del Louvre (1967) y una Bienal Mundial de la Historieta , en el Instituto Torcuato Di Tella (1968).
En esta década, se crean series de aventuras populares como Modesty Blaise (1963) de Peter O’Donnell y Jim Holdaway ; Valerian, agente espacio-temporal (1967), de Pierre Christin y Jean-Claude Mézières , o Corto Maltés (1967 ) de Hugo Pratt , mientras que otros como Mortadelo y Filemón de Francisco Ibáñez emprenden su etapa de mayor éxito. Muchos de los nuevos cómic están orientadas, pero, hacia un público cada vez menos juvenil:
El fumetti Nero italiano que nació en 1962 con Diabolik de las hermanas Angela y Lucianna Giussani ;
El nuevo western franco representado por Blueberry (1963) de Charlier , Jean Giraud y Comanche (1969), de Greg y Hermann ;
El relanzamiento del terror en EE.UU. por parte de la Warren con sus revistas Creepy (1964), Eerie (1966) y Vampirella (1969).
El gekiga japonés, el estilo se aleja del de Disney y trata nuevos temas como el horror, el erotismo, los yakuzas y los samurais. Es el caso de Lobo solitario y su cachorro (1970), de Kazuo Koike y Goseki Kojima .
Los cómics de superhéroes con fuertes temas sociales, como la reunión de Linterna Verde y Flecha Verde que Dennis O’Neil y Neal Adams realizaron en 1970.
Experimentó también con la composición de la página, como hacen el propio Crepax o Jim Steranko . En mayo de 1968, la revolución llega a la revista francesa Pilote: Los dibujantes jóvenes dieron un auténtico golpe de estado y consiguieron hacer, lo que era una publicación infantil, todo un cómic de vanguardia. En 1974, algunos de estos autores, como Moebius , decidieron lanzar su propia revista de ciencia ficción que se llamaría Metal Hurlant y que se convertirá en un modelo a seguir para europeas y estadounidenses. Una de estas revistas, la británica “2000 AD” (1977) sería el caldo de cultivo de toda una hornada de nuevos autores británicos que a partir de 1982, vendrían a revitalizar el comic-book de superhéroes estadounidense con obras como ” Watchmen “(1986), de Alan Moore y Dave Gibbons , junto a nativos como Frank Miller .
Con retraso, se produciría también un boom del cómic adulto en Cataluña y España que pronto pasa a estructurarse “para escuelas identificadas con las revistas Cairo , El Víbora y Madriz “. En general, se puede decir que muchos autores buscan un lector más adulto, como los franceses Jacques Tardi o Gérard Lauzier , el español Carlos Giménez , el serbio Enki Bilal , el italiano Vittorio Giardino o los argentinos Carlos Sampayo y José Muñoz , dando lugar al fenómeno del cómic de autor. En Estados Unidos, un rediviva Will Eisner popularizó el concepto de novela gráfica a partir de su Contrato con Dios (1978) y surgieron autores alternativos como Dave Sim con su serie Cerebus the Aardvark (1977), los hermanos Jaime , Gilbert y Mario Hernandez con su revista Love and Rockets (1981) y Stan Sakai con Usagi Yojimbo (1984).
Y es que aunque el cómic se desarrolló en otros ámbitos, como el mundo árabe y siguen produciendo obras muy populares, como las del guionista Jean Van Hamme ( Thorgal , 1977 y XIII , 1983), poco a poco dejó de ser un medio masivo en la mayoría de los países, creándose formatos más caros, como álbumes o revistas de lujo. En Japón, en cambio, la editora Kodansha cambió con su revista Shonen Magazine la pauta de periodicidad mensual a semanal, multiplicando la producción y reduciendo costes, y es así como atrae también a público femenino con obras como La Rosa de Versalles ( 1972) de Riyoko Ikeda o Candy Candy (1975-79) de Kyoko Mizuki y Yumiko Igarashi .
En 1988, gracias al éxito de las versiones en dibujos animados de Akira (1982-93), de Katsuhiro Otomo y Bola de dragón (1984-95) de Akira Toriyama , el manga empezó a difundirse internacionalmente. En el día de hoy, el manga se ha consolidado en la sociedad occidental, llegando a ser imitado por autores norteamericanos y europeos y dando lugar a movimientos como el amerimanga o la nouvelle manga . Los mangakas , como Jiro Taniguchi , ganan prestigiosos premios internacionales y lo que es más importante, la población juvenil occidental ha vuelto a interesarse masivamente por medio, como no pasaba en Europa desde la posguerra. Igualmente proliferan género híbridos, que mezclan los hallazgos del magna y el cómic occidental, como Sinfest .
Por otro lado, son muchas las editoriales de Europa y los Estados Unidos dedicadas al mercado del manga, si bien las revistas y el comic book han ido perdiendo fuerza en favor del álbum monográfico y la novela gráfica . Así, el caso de Pilote , que acabó cerrando en 1989.
Las experiencias de edición underground de los 70 y 80 se transforman en un sólido sector del mercado, afianzando editoriales como Freón a Bélgica , Cockroach en la China , Fantagraphics Books y Drawn and Quarterly en Estados Unidos, L’Association o Cornelius en Francia, Atrabile en Suiza, etc. Los autores que publican, y que a menudo se autoeditan, tienden a menudo hacia el costumbrismo (incluso autobiográfico) y la historieta experimental, como es el caso de los estadounidenses Peter Bagge , Daniel Clowes y Charles Burns , los franceses David B. , Philipe Dupuy y Charles Berbería o la iraní Marjane Satrapi . Maus de Art Spiegelman llega incluso a recibir el premio Pulitzer en 1992.
Algunos de estos autores no pretenden alejarse del gran público ni de los géneros más clásicos. Un buen ejemplo sería La mazmorra, de Trondheim y Sfar , que se inscriben dentro del subgénero de la fantasía heroica . Tampoco los artistas fundadores de Image Comics en 1992, con series como Spawn o The Maxx . Del mismo modo, la editorial DC Comics fundarían oficialmente la línea Vertigo en 1993 para acoger la obra de autores británicos como Neil Gaiman o Grant Morrison .
En contraste, una de la tira más populares, Calvin y Hobbes (1985) de Bill Watterson , que ha recuperado elementos del humor físico de la ya extinta época dorada de las tiras de prensa. El gran superventas del mercado francés también está protagonizado por un niño: Titeuf , cuyo álbum duodécimo, llega casi medio millón de ejemplares vendidos en 2008. Fue en Estados Unidos donde se inició su publicación masiva en los periódicos. La primera página de cómic apareció el 9 de abril de 1893 en el periódico World . Precisamente aquí se hicieron los primeros experimentos con el color y Outcault crea Yellow Kid (chico amarillo, chico amarillo), personaje que refleja la vida de los bajos fondos y se convierte en la principal atracción del diario.
En 1897 se crea por el “New York Herald”, un nuevo personaje Buster Brown . El trabajo de Rudolph Dirks con su obra Katzenjammer kids , es considerado el primer cómic propiamente dicho. Apareció el 12 de diciembre de 1897 , y tuvo una gran aceptación por el público, Dirk introdujo el uso de la vaharada (también llamada globo o fumet) que contienen el diálogo, dándole más dinamismo al conjunto de la historia gráfica . Pero fue Winsor McCay el verdadero innovador del cómic, por su audacia en el encuadre, la utilización de diferentes planes y la belleza de sus dibujos y argumentos en obras como Little Nemo .
El 1934 aparece Flash Gordon , de Alex Raymond y poco a poco comienzan a surgir historias de personajes comunes que se caracterizaban por ser héroes, soldados, magos ….
Una de las tiras más exitosas y apreciadas tiras son las que, de los de los años 30 gente como Walt Disney hicieron los periódicos protagonizadas por Mickey Mouse . Sin embargo, hay que notar que Disney pronto dejaría de guionizar las tiras cómicas, pasando estas a manos de Floyd Gottfredson , quien es considerado el autor que ha tratado el personaje con mayor virtuosismo.
También se empezaron a publicar los comic books (revistas de cómics, libretos de historietas ilustradas) a Estados Unidos ( Max Gaines publica el primer comic book, Funnies donde Parade el 1933 ). A mediados de la década de los 30 surgen pequeñas compañías como All Star Comics, Action Comics o Detective Comics (DC), que pronto se convertiría en una de las mayores compañías de Estados Unidos.
Las historias comienzan a aumentar en calidad, los escritores y dibujantes adquieren un estilo característico del cómic al que ahora se le llama americano y surgen historias de detectives, científicos y personajes más atractivos y con habilidades superiores a las humanas, siempre salvando el planeta o su comunidad de una catástrofe mayor.
El 1.938 llegan ” superhéroes “como Superman o La Mujer Maravilla y posteriormente, otros como Batman. Aparecen historias de terror, como Tales from the Crypt y series policíacas, como Secret Agent X-9. Es la época de los gángsters y era natural que el lector deseara encontrar el policía astuto y duro, así que nació Dick Tracy.
A los años 40 , a pesar del gran éxito de las series más serias, a los EEUU la publicación con más ventas sería la humorística Walt Disney Comics and Stories , donde autores anónimos que después se convertirían en referentes como Carl Barks dieron vida al universo de la ‘ Pato Donald.
El 1950 llega la serie Peanuts , de Franz Schultz , con personajes mundialmente famosos como Charlie Brown y Snoopy. En los sesenta, una pequeña editorial acabaría revolucionando el mercado: Marvel Comics , con su alma-mater Stan Lee reinventar el género con series como Los Cuatro Fantásticos y, luego, Spiderman , El increíble Hulk , Los Vengadores y X-Men.
El cómic contemporáneo americano tiene varios éxitos, como las tiras de prensa de Mafalda del argentino Quino o Calvin y Hobbes de Bill Watterson. Con la aparición de Internet , aparecieron los llamados webcomics, que usan el formato blog para reproducir las tiras cómicas que aparecen habitualmente en la prensa. Molts dels webcòmics acaben recopilats en “comic books” si tenen èxit oa la inversa, neixen per donar més difusió a l’obra en paper del seu autor (com a complement a la pàgina web personal). Macanudo , de Liniers, seria un exemple d’aquest pas al format web.